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Bienvenido a la exposición de la Bellagio Gallery of Fine Art, In Bloom. Esta vibrante celebración de todo lo que florece en la vida nos muestra exploraciones sobre el renacimiento, la identidad, la abstracción, la humanidad y las fuerzas que nos mueven hacia el cambio colectivo. Las obras presentadas son un préstamo por cortesía de Tia Collection de Santa Fe, en Nuevo Mejico. Es una colección de arte global que tiene como misión la de apoyar a los artistas y a las instituciones museísticas, adquiriendo y prestando obras de arte. Mientras camina por la galería, encontrará una amplia variedad de artistas cuyas perspectivas se plasman a través de la pintura, la escultura y la fotografía, y que abarcan más de 100 años de movimientos y géneros artísticos.

A su izquierda, este conjunto de naturalezas muertas clásicas, expuestas en forma de salón, reúne las primeras obras de la exposición. Pintado en 1922, ‘Early Spring, N.M.,’ de Ralph Meyers es un paisaje íntimo que representa los vibrantes colores del terreno montañoso de Taos, Nuevo México, durante el inicio de la primavera. A menudo el desierto no se ve como un lugar floreciente. Pero en las obras de Meyers se puede apreciar su reverencia y admiración por el verde brillante de la artemisa y el azul profundo de las montañas que rodean su hogar, expresados mediante tiernas pinceladas direccionales. Como un entusiasta fotógrafo, Meyers aprendió a pintar a través de la fotografía. Su habilidad para utilizar colores brillantes y capturar los dramáticos paisajes y la naturaleza ruda le valió la reputación de ser uno de los mejores coloristas a principios del siglo XX y lo estableció como una figura clave en la historia del arte del suroeste. Meyers fue una figura exuberante profundamente arraigada en la floreciente escena artística de Taos, quien con su esposa Rowena, entretenía cada noche a artistas y escritores como Ansel Adams, D.H. Lawrence, Georgia O’Keeffe y Willa Cather. Lawrence, Nicolai Fechin y Frank Waters, por nombrar algunos.

Sin fecha, la obra ‘Lily and Shell’ de Nicolai Fechin escapa de la realidad estableciendo un escenario en el que los lirios, margaritas y violetas brotan desde una sombra oscura detrás de una concha nacarada vacía. La técnica de pinceladas sueltas de Fechin crea un efecto de oscurecimiento en el fondo oscuro, y a la vez resalta las líneas de las flores blancas en forma de trompeta, que brillan en el campo visual. Fechin, un inmigrante ruso, se mudó a Taos, Nuevo México, desde Nueva York en 1927, con su familia e invirtió afectuosamente en la incipiente comunidad artística, al igual que su contemporáneo y amigo Ralph Meyers.

La obra de Bror Julius Olsson o B.J.O.  Nordfeldt Still Life with Grapefruit (recto), Red House (verso), creada alrededor de 1930, muestra un humilde arreglo floral con un sencillo servicio de desayuno, sobre un tablero a cuadros sesgados. La presentación es encantadora y no sentimental, describiendo la vida en el hogar con un estado de ánimo relajado y una perspectiva sutilmente multifacética. Además, nos recuerda la influencia del artista postimpresionista francés Paul Cézanne en Nordfeldt. Sus vigorosos trazos acentúan la distorsión de la perspectiva en ‘Still Life with Grapefruit ‘. Nordfeldt emigró en 1891 desde Suecia a Chicago, donde comenzó a estudiar la pintura y el grabado en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago. Durante una década, Nordfeldt estudió tanto en Chicago como en Europa, donde fue influenciado por la obra de los fauvistas, como Henri Matisse, los expresionistas como Piet Mondrian, y el postimpresionista Paul Cézanne. En 1919, Nordfeldt inició una estadía de veinte años en la comunidad artística en auge de Santa Fe, en Nuevo México.

El título de esta obra hace referencia a recto, la parte delantera, y verso, la parte trasera, de una superficie, identificando las escenas pintadas en las dos caras del lienzo. Con su orientación perpendicular, ‘Red House (verso)’ fue adquirida y entonces se descubrió ‘Still Life with Grapefruit (recto)‘ en la parte posterior, las pinturas se invirtieron en el marco. Usando este audioguía, tómese un momento para desplazarse por las imágenes de la parada 1 y así descubrir una imagen de ‘Red House (verso)‘.

En el extremo opuesto de la pared, una singular rosa de tallo largo se desvanece en el fondo mientras su sombra, crudamente proyectada, se convierte en el punto focal de la composición. La fotografía «Rose» (1977) exhibe con éxito la habilidad del fotógrafo estadounidense Robert Mapplethorpe en crear composiciones dramáticas. Reconocido como un gigante de la fotografía del siglo XX, Mapplethorpe desató un debate nacional en torno a la libertad artística y ea erotismo. A pesar de que Robert Mapplethorpe tuvo logros artísticos en diversos medios, se le reconoce principalmente por su fotografía erótica en blanco y negro. A través de ella documentó la imaginería fetichista y de cuero, así como la cultura underground de Nueva York.

Su enfoque formalista de la fotografía permitió al artista abordar temas principalmente a través de la belleza y la composición y, secundariamente, a través del contenido. Sus temas consistían en desnudos escultóricos, naturalezas muertas florales y retratos de celebridades. La única fotografía en blanco y negro de la exposición, esta rosa en solitario, cortada a punto de marchitarse, evoca imágenes de romance, añoranza e inevitabilidad de la muerte.

Estas cuatro obras introductorias, aunque representan directamente flores y paisajes, son un inicio de la exploración metafórica del crecimiento vivaz que se observa al principio de la primavera. Con estas obras introductorias, esta exposición nos presenta el simbolismo duradero del fenómeno naturales del cambio. Por encima de su hombro verá una obra con un contraste marcado en una pared amarilla.