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Los cuatro cuadros que rodean las esculturas centrales son a la vez documentaciones de la realidad y abstracciones creadas científicamente. La siguiente explicación se moverá de una obra a otra, discutiendo las conexiones en lugar de una narración lineal.

Lois Dodd pintó en 1979 este cuadro en el cual el animado cielo azul de la costa rural de Maine se refleja en una ventana cerrada. La pintura de Alex Katz de 1976 presenta la misma belleza de un cielo claro y vívido, con una joven montada a caballo en su casa de verano en Maine. Contemporáneos en Cooper Union, Lois Dodd y Alex Katz, que siguen vivos y pintando a sus 95 y 94 años, respectivamente, dieron forma a la escena del arte moderno de la posguerra en la ciudad de Nueva York y en la costa de Maine. Dodd y Katz pintaban en respuesta a su entorno, capturando elementos de la arquitectura, paisajes urbanos, personas y naturaleza, lo que contrastaba con el Expresionismo Abstracto popular y no objetivo de mediados del siglo XX.

Durante más de cincuenta años, Lois Dodd ha pintado su entorno cotidiano, donde vive y trabaja: el Lower East Side de Nueva York, el Maine rural y el Delaware Water Gap. Los cuadros de Dodd son de escala íntima y generalmente son realizados en una sola sesión al aire libre, lo que se conoce como «plein-air». Dodd, en busca de la geometría subyacente y la vitalidad de los edificios y paisajes de Nueva Inglaterra, detalla las hermosas especificidades de exuberantes jardines de verano, plantas sin hojas y secas, cielos nocturnos iluminados por la luna y vistas a través de ventanas. A menudo retoma motivos familiares en distintas épocas del año con resultados muy variados. La estructura geométrica constante de las ventanas es una gran fuente de inspiración para Dodd, quien encuentra en ellas un espacio donde el color y el movimiento se liberan en las superficies reflectantes. En ‘Blue Sky Window’, las sombras juegan a través del marco blanco de la ventana en oro rosa y gris, haciendo de la aparente quietud del cielo azul una ilusión. En contraste con la geometría serena de las ventanas en sus primeros cuadros, el segundo cuadro de Dodd en la galería, ‘Falling Window Sash’, pintado aproximadamente dos décadas después, ilustra los efectos del tiempo en la arquitectura abandonada.

En su pintura figurativa, ‘Jean on Horse’, situada entre dos pinturas abstractas categóricas, Alex Katz coquetea con la línea entre realismo y abstracción. Emergiendo como un artista a mediados del siglo XX, cuando gran parte del arte estadounidense se había alejado de la representación, Katz forjó un modo de pintura figurativa que fusionaba la energía del Expresionismo Abstracto con el lenguaje vernáculo estadounidense de revistas, vallas publicitarias y pantallas de cine. Aunque con sede en Nueva York, las pinturas de Katz a menudo representan escenas de una sociedad de ocio bien acomodada, presentando casi exclusivamente amigos, figuras literarias y a sus círculos del mundo del arte, dentro del paisaje de Maine.

Amigo de Vincent Katz (el hijo del artista), Jean era vecino de la familia Katz. Tras haber pintado pocas obras con animales en su carrera, Jean y su caballo aparecen en varias de las pinturas de Katz a partir de 1976. Lo que tiene de especial esta obra es que Katz pidió a su hijo que fotografiara a Jean sobre el caballo mientras pintaba su retrato. El maestro del color vivo quiso comparar la diferencia entre los colores de la fotografía y los de su cuadro, concluyendo que los de su pintura eran mucho más fuertes.

Los círculos florecientes y penetrantes de azul de ‘Cobalt (Blue)’ de Terry Winters se encuentran entre ‘Jean on Horse’ y ‘Blue Sky Window’, de Terry Winters. Alrededor de cada punto de cobalto, la pintura blanca y amarilla forma círculos concéntricos imperfectos que penetran a través de las formas rojas brillantes en el primer plano de la pintura. Reflejada por manchas en escala de grises, la lógica de los motivos se desvanece alrededor de los bordes del lienzo. Tejiendo juntos varios elementos, la obra combina la pintura libre con la estructura racional. Muchas de las primeras obras de Winters muestran formas orgánicas que recuerdan a la imaginería botánica. Con el paso del tiempo, Winters amplió la variedad de temas que aborda en su obra para incluir la arquitectura de sistemas vivos, diagramas matemáticos, notación musical y nuevas formas de visualización de datos. Winters encontró una profunda conexión con el ensayo de 1966 del filósofo austriaco Karl Popper, ‘Of Clocks and Clouds’, entre 2011 y 2013. En su ensayo, Popper dividió todos los fenómenos observables en dos categorías: Uno comprende mecanismos de funcionamiento preciso y determinante (relojes), mientras que el otro opera en condiciones indeterminadas y extraordinarias (nubes). Para Winters, la combinación de estas clasificaciones resonaba en relación con la pintura. Cobalt (Blue) es una emocionante fusión de composición consciente y campos de color generados por pinceladas libres.

Similar en cuanto a la paleta de colores de Winter en ‘Cobalt (Blue)’, pero difiriendo en el proceso, Untitled #4 de Jiri Georg Dokoupil contiene un fondo azul electrificado para burbujas iridiscentes arrastradas en blanco, rojo, amarillo y cian. Para su serie ‘Soap Bubble Painting’, Dokoupil hace estallar burbujas cósmicas de pigmentos suspendidos en jabón líquido sobre el lienzo. Dokoupil no ha usado un pincel desde los años ochenta,  y en su lugar experimenta con varias herramientas para crear marcas, como látigos y neumáticos rodantes sobre su superficie de elección.

Al hacerlo, elimina deliberadamente la pincelada o la evidencia de la mano del artista del acto de pintar. Más bien, el artista ha creado un catálogo de más de cien estilos y técnicas diferentes que selecciona a través de un enfoque sistemático, eliminando cualquier noción de expresión distintiva y personal para evitar tener una estética singular. Con este método de creación, trata de explorar el concepto de autenticidad. Visto aquí en Untitled #4, Dokoupil se mueve con facilidad entre los ámbitos artísticos, técnico y científicos.